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Descubre  una obra de arte en el mubag

Instituto Alicantino de Cultura JUAN GIL ALBERT

 

Descubre, instituto juan gil albert

 

 

El encuentro
37×31 cm. – 1980 – Lápiz
 

conferencia en la diputacion de alicante - leguey

Papers i collages per a Joan Valls

 

Lugar: Llotja de Sant Jordi, Alcoi

Fechas: Del 6 de abril hasta el 28 de mayo de 2017

Inauguración: jueves 6 de abril a las 20h.

Comisario: Javier Martín

papers i collages per a Joan Valls

 

ALBANO  – Aina ALBO – Andreu ALFARO – Elena ALONSO –  Josep ANZO – Elena ASINS – Marlon de AZAMBUJA –  Waldo BALART – Nestor BASTERETXEA – Arcadi BLASCO – Manuel BOIX – Enrique BRINKMANN – José Manuel BROTO – Monika BUCH – Víctor CÁMARA – Rafael CANOGAR – Carlos CARTAXO – Julián CASADO – DIS BERLIN – EQUIP REALITAT – EQUIP CRÓNICA  – Eutiquio ESTIRADO – Francisco FARRERAS  – Robert FERRER i MARTORELL – Tomás GARCÍA ASENSIO – Pep GARRO – Joan GENOVES – José Luis GÓMEZ PERALES – Josep GRAU-GARRIGA – José GUERRERO – Josep GUINOVART – Joan HERNÁNDEZ PIJUAN – José LEGUEY – Guillermo LLEDÓ – Antonio LORENZO – Rafa MACARRÓN – Aurèlia MASSANET – Tomás MENDOZA – Antoni MIRÓ – Joan MIRÓ  – Pedro MUIÑO – Juan OLIVARES – José Miguel PEREÑIGUEZ – Guillermo PÉREZ VILLALTA – Águeda de la PISA – Jaume ROCAMORA – Gerardo RUEDA – Manuel SALINAS – Maya SARAVIA – Josep SOU – Antoni TÀPIES – Joan Josep THARRATS – Lidia TOGA – Gustavo TORNER – Ramón URBÁN – José VENTO – Daniel VERBIS – Salvador VICTORIA – José María YTURRALDE – Fernando ZÓBEL.

 

Salvador Victoria. Papers i collages. coleccion Ars Citerior

Salvador Victoria
S.T. Gouache sobre papel, 1961

” Sols hem après la dura noció de saber l’escassesa del bé propi”

(Solo hemos aprendido la dura noción de saber
la escasez del bien propio)

Joan Valls

Papeles y Collages

Cuando hablamos de obra sobre papel, la primera imagen que nos suele venir a la mente es la de un dibujo, porque esta manifestación artística ha sido desde hace siglos una de las maneras más utilizadas por el hombre. En el Renacimiento los dibujos sobre papel no se llegaban a considerar como obra, sino como un ejercicio de mano o como un boceto para posteriormente materializar la idea en una gran obra sobre un soporte más “noble”. De este modo la obra sobre papel carecía de un fin en sí mismo y en muchos casos acababa siendo destruida.

Poco a poco la obra sobre papel fue ganando mayor relevancia, pues las nuevas técnicas de pintura utilizadas fueron conviviendo dentro de la misma pieza y se iban complementando, dando nuevas posibilidades pictóricas y una nueva relevancia y proyección a la composición creada sobre el papel.

Con la llegada del siglo XX y ciñéndonos a nuestro país, los pintores españoles llegaron a realizar gran cantidad de obra sobre papel, unos por la importancia que le conceden al dibujo (Luis Fernández, Salvador Dalí, Maruja Mallo), otros debido a la simple escasez de medios, como fue el caso de Julio González, quien utilizó dicho soporte para dibujar con grafito numerosos retratos de campesinas o de su compañera Marie Therese.

De la mano de Eusebio Sempere y Abel Martín llegó a España, a finales de la década de los cincuenta del siglo pasado, el método serigráfico. La obra seriada sobre papel interesó a muchos pintores y ayudó a difundir el arte contemporáneo en nuestra sociedad. La serigrafía fue el principio de muchas de las colecciones, que luego derivaron hacia la pieza única. Como dijo Fernando Zóbel, ”Una colección puede comenzar con un  grabado de Durero, y con el tiempo ir adquiriendo algún dibujo y así sucesivamente. Se trata de un proceso de aprendizaje”.

Sempere y Martín aprendieron la técnica serigráfica en los talleres del artista Wilfredo Arcay, en el París de los años cincuenta. El estampador cubano innovó la divulgación del arte con esta técnica, de origen americano y desconocida en Europa. Para Arcay, la serigrafía no era una reproducción de obra “sino una forma de reinventar junto al artista una obra en estampa que permita cambiar tamaño, color o soporte”. Durante el aprendizaje de esta técnica, Abel Martín ya realizó obras para artistas de la talla de Mortensen, Herbin, Vasarely o el arquitecto francés André Bloc.

En 1958, tras su vuelta definitiva a España, Martín y Sempere realizaron para Lucio Muñoz uno de los primeros trabajos serigráficos. A partir de ese momento y en los años siguientes comenzaron a producir estampaciones para la mayoría de los artistas de la época, muchos de ellos relacionados con el mundo artístico de la ciudad conquense: José Guerrero, Antonio Lorenzo, Manolo Millares, Manuel H. Mompó, Gerardo Rueda, Antonio Saura, Gustavo Torner o Fernando Zóbel. Abel Martín estampó las primeras ediciones para el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca por encargo de Zóbel: la primera fue de César Manrique fechada en 1963, aunque se realizó la serigrafía a principios de 1964.

Ha habido momentos puntuales donde la obra sobre papel, no fue una elección, sino una imposición debido al método utilizado. Hablo de finales de los sesenta en los Seminarios del Centro de Cálculo de la Complutense de Madrid (1968-1970). Los pintores que se acercaron a aquellas primeras computadoras (Manuel Barbadillo, Tomás García Asensio, Gerardo Delgado, José Luis Gómez Perales, Abel Martín, Manolo Quejido,  Eusebio Sempere, Soledad Sevilla, o José María Yturralde entre otros) realizaron sus obras modulares sobre papel plotter, y en algunos casos el resultado obtenido lo pasaron a serigrafías o  litografías.

Con la entrada del siglo XXI, el uso y valoración del papel ha tenido un gran resurgimiento entre los artistas, debido a factores como la facilidad en el manejo y el transporte del mismo, su bajo coste económico y el auge que el dibujo ha tenido en las generaciones más jóvenes como expresión artística en sí misma. En palabras del pintor de Guillermo Pérez Villalta en su libro “Melancólico Rococó”: “El dibujo está hoy en una nueva fase dorada. Parece que la ortodoxia moderna lo salva, quizás porque no es pintura y, si se hace sobre la pared o sobre un papel roto, parece menos clásico. Pero lo que sigue atrayendo del dibujo es esa fragilidad, esa casi nada, esa cosa directa del cerebro a la obra.”

Para hablar del collage tenemos que remontarnos a 1910 cuando Braque introdujo arena y serrín en sus cuadros cubistas, lo que dio lugar al antecesor del papier collé, que vería su primera luz el 13 de septiembre de 1912, cuando encontró en una droguería de Aviñón algunos papeles pintados imitando la madera. Al llegar a casa, en la localidad rosellonesa de Céret, cortó tres trozos de ese papel, los pegó sobre un papel Ingres, dibujó con carboncillo unos trazos que unían los pedazos y escribió las palabras BAR y ALE. A la obra la tituló Frutero y vaso. En octubre, Picasso realizó su escultura Guitarra utilizando recortes de cartón. Pero el primer cuadro considerado un collage, curiosamente fechado en mayo de 1912, es Bodegón con trenzado de silla. En el mismo, Picasso incorporó a uno de sus bodegones un hule de los utilizados como mantel de bar, con la peculiaridad de que el estampado de este hule es diseño de asiento de rejilla. Con esta acción revolucionaria para el arte, no solo hay que destacar la incorporación de un elemento no pictórico a la obra, sino también la incorporación de un objeto fabricado en serie (el hule) a un objeto artesanal hecho a mano (el cuadro).

Como defensor de la obra realizada sobre papel, he querido que la exposición “Papers i collages per a Joan Valls” sirva para acercar la frescura de las obras con este soporte. Por cronología los artistas seleccionados van desde Antonio Lorenzo (Madrid, 1922-2009) a Albano (Ávila, 1988), con piezas de diferentes tendencias plásticas y con distintas técnicas, que abarcan desde el grafito hasta el acrílico, pasando por el gouache o las ceras, pero siempre  utilizando el papel como soporte o con la técnica de collage. Una vez más deseamos aumentar el interés por este soporte y esta técnica y anhelamos desterrar para siempre la frase vigente durante muchos años escrita por  Fernando Zóbel, cuando allá por los años setenta habló del “El amable desprestigio del papel” en España.

                                                                                              Javier Martín

blindajes - legueyBlindajes
23×18 cm. – Madera, alambre y poliester

 


 

En un silenci quiet – Paisatges – 2016

Exposición Alcoy

 

 “Hay otros mundos, pero están en este”

Paul Éluard

En torno al paisaje contemporáneo hemos reunido obras de treinta y nueve pintores que han tratado este tema tan clásico. En algunos autores ha sido de manera puntual, como es el caso de Gerardo Aparicio, Víctor Cámara, Eutiquio Estirado, Lidó Rico o Ramón Urbán. Para otros ha sido una investigación constante: Calo Carratalá, Dis Berlin, Damián Flores, Emilio González Sainz o Joan Hernádez Pijuan.

En la muestra En un silenci quiet. Paisatges, están representados artistas de larga trayectoria, como Francisco Farreras oRamón Cascado. Y autores jóvenes como Albano, Elena Alonso o Rafa Macarrón.

La datación de las obras va desde 1961 (el óleo de Manuel H. Mompó), hasta 2015 (el aluminio de Marlon de Azambuja). También es muy variado el estilo pictórico: el lirismo de Salvador Victoria, la geometría de Robert Ferrer i Martorell, la objetualidad de Guillermo Lledó, la espacialidad de José María Yturralde.

Para esta ocasión hemos contado con los fondos de la Colección Ars Citerior de la Comunidad Valenciana. De ella hemos escogido paisajes sosegados y tranquilos, aunque en alguna de las obras haya quien encuentre elementos que puedan inquietarle.

Lugar: Llotja de Sant Jordi, Alcoi

Inauguración: Jueves 7 de abril de 2016 a las 20h. Abierto hasta el 29 de mayo.

Comisario: Javier Martín

Artistas participantes:

José AGULLÓ – ALBANO – Elena ALONSO –  Gerardo APARICIO – Marlon de AZAMBUJA –  Tania BLANCO – Alejandro BOTUBOL – Joan BOY – Víctor CÁMARA – Calo CARRATALÁ – Ramón CASCADO – DIS BERLIN – Lourdes CASTRO CERÓN – Eutiquio ESTIRADO – Francisco FARRERAS – Juan Manuel FERNÁNDEZ PERA – Robert FERRER i MARTORELL – Damián FLORES – Diana GARCÍA ROY – Pep GARRO – Gerardo GIMONA – Emilio GONZÁLEZ SAINZ -Joan HERNÁNDEZ PIJUAN – José LEGUEY – LIDÓ RICO – Guillermo LLEDÓ – Rafa MACARRÓN – Antoni MIRÓ – Manuel H. MOMPÓ – Pedro MUIÑO – Amadeo OLMOS – Sara QUINTERO – Alberto REGUERA – SEÑOR CIFRIÁN – Beatriz SAENZ – Ramón URBÁN – Salvador VICTORIA – José María YTURRALDE – Jesús ZURITA.

paisaje - leguey 

En un silenci quiet – Paisatges – 2016

We have gathered around the contemporary landscape the works of thirty-nine painters who have dealt with such a classic theme. Some authors have done it occasionally, e.g. Gerardo AparicioVíctor CámaraEutiquio EstiradoLidó Rico or Ramón Urbán. For others, however, it has been a matter of constant investigation: Calo CarrataláDis BerlinDamián FloresEmilio González Sainz or Joan Hernádez Pijuan.

In the exhibition called ‘En un silenci quiet. Paisatges’, artists with a lengthy career like Francisco Farreras or Ramón Cascado and young artists like AlbanoElena Alonso or Rafa Macarrón are represented.

The dates of the works go from 1961 (Manuel H. Mompó’s oil painting) to 2015 (Marlon de Azambuja’s aluminium). The exhibition also includes varied painting styles: Salvador Victoria’s lyricism, Robert Ferrer i Martorell’s geometry, Guillermo Lledó’s objectuality and José María Yturralde’s spatiality.

For this exhibition we have used works from the ‘Ars Citerior’ collection in the Valencian Community. We have chosen tranquil and peaceful landscapes, although someone could find unsettling elements in some of the works.

Location: Llotja de San Jordi, Alcoi

Inauguration: Thursday, April 7th, 2016 from 8 p.m. Open until May 29th.

Collection manager: Javier Martín

Participating artists:

José AGULLÓ – ALBANO – Elena ALONSO –  Gerardo APARICIO – Marlon de AZAMBUJA –  Tania BLANCO – Alejandro BOTUBOL – Joan BOY – Víctor CÁMARA – Calo CARRATALÁ – Ramón CASCADO – DIS BERLIN – Lourdes CASTRO CERÓN – Eutiquio ESTIRADO – Francisco FARRERAS – Juan Manuel FERNÁNDEZ PERA – Robert FERRER i MARTORELL – Damián FLORES – Diana GARCÍA ROY – Pep GARRO – Gerardo GIMONA – Emilio GONZÁLEZ SAINZ -Joan HERNÁNDEZ PIJUAN – José LEGUEY – LIDÓ RICO – Guillermo LLEDÓ – Rafa MACARRÓN – Antoni MIRÓ – Manuel H. MOMPÓ – Pedro MUIÑO – Amadeo OLMOS – Sara QUINTERO – Alberto REGUERA – SEÑOR CIFRIÁN – Beatriz SAENZ – Ramón URBÁN – Salvador VICTORIA – José María YTURRALDE – Jesús ZURITA.

 

 

Tiempos cortados – Barcelona 2015

 

 

Exposición - Tiempos cortados-Barcelona_ Leguey
 

José Leguey. Associations

“Style is that irreducible something else that separates
the work of art from the world of objects.”
Harold Rosenberg

In this new series that José Leguey has created, there is still “a family resemblance”. This expression was already used by Fernando Zóbel to refer to Gustavo Torner’s artwork. It is composed of medium-sized works that have their origin in small recycled objects and cut-outs from other pieces that never came to light. Or that ended up becoming waste from previous works and that now find their link-up and new meaning. The precariousness in the materials used is sought by the artist in order to emphasise the plastic possibilities generated by them.

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More than one hundred years have passed since the first papier collé, when in 1912 George Braque pasted three pieces of paper on the surface of an artwork and added, using charcoal, the words BAR and ALE. Leguey, a follower and an investigator of the possibilities that the collage technique offers, shows us complex compositions like “La plaza”, in which a large group of characters intend to gain prominence surrounded by weathering-steel-coloured floating buildings that remind us of the structures found in the Pierre Soulages museum, located in the city of Rodez. A whole swarm of individuals from different epochs interspersed with shadows of cut-out figures that apparently want to organize that chaos. There are also butterflies and scorpions, which live in a world parallel to that of humans and unaware of what happens there. These are insects to which we are used in Leguey’s artwork and insects that spontaneously spring from the artist’s hand without knowing why.

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As a counterpoint to this open space, I observe “Sin título”, from 2012, in which two white cardboard pieces leave a small slit between them, through which the observer will seek to observe in order to see the character hidden behind white doors. Once again, the idea of playing is linked to José Leguey. Other artists have already played with the curiosity of the human being: by showing a half-open cupboard, like Carmen Laffón did; or by showing a half-open cardboard box, as Gerardo Rueda, the master of collage, did.
Just like a psychologist tests patients with the “Sacks Sentence Completion Test (SSCT)” of Joseph M. Sacks, Leguey shows some images and the observer has to seek their own associations. It is all about the connexions in our psyche, which are not always easy to explain, but if we got to understand them better, we might found some of our keys.

Javier Martín
‘Ars Citerior’ collection manager

 

 

José Leguey. Asociaciones

“El estilo es ese algo más irreducible que separa la obra
de arte del mundo de los objetos.”
Harold Rosenberg

En la nueva serie que José Leguey nos presenta sigue existiendo “un aire de familia”. Esta expresión ya la utilizaba Fernando Zóbel al referirse a la obra de Gustavo Torner. Son obras de mediano formato que tienen como punto de origen pequeños objetos reciclados y recortes de otras piezas que no llegaron a ver la luz. O que terminaron siendo desechos de obras anteriores y que ahora encuentran su ensamblaje y nuevo significado. La precariedad de los materiales utilizados es buscada por el artista para resaltar las posibilidades plásticas que generan.

Más de cien años han pasado desde el primer papier collé, cuando en 1912 George Braque encoló tres trozos de papel en la superficie de la obra y añadió, al carboncillo, las palabras BAR y ALE. Leguey, seguidor e investigador de las posibilidades de la técnica del collage, nos presenta composiciones complejas como “La plaza”, en la que un grupo numeroso de personajes pretende tomar protagonismo entre unas edificaciones flotantes de color acero corten que recuerdan las estructuras del museo de Pierre Soulages, en la ciudad de Rodez. Todo un enjambre de individuos de diferentes épocas que se entremezclan con sombras de figuras recortables que parecen querer ordenar ese caos. También están presentes las mariposas y escorpiones que viven en un mundo paralelo al de los humanos y ajenos a lo que allí acontece. Insectos a los que el artista nos tiene acostumbrados y que surgen de manera espontánea de sus manos sin saber el porqué.
Como contrapunto a ese espacio abierto, observo “Sin título”, de 2012, en la que dos cartones blancos dejan una pequeña rendija entre sí, donde el espectador tenderá a asomarse para ver el personaje que se esconde tras unas puertas blancas. Una vez más la idea del juego está presente en José Leguey. Otros artistas ya han jugado con la curiosidad del ser humano: mostrando una alacena entreabierta, como hizo Carmen Laffón; o una caja de cartón a medio abrir, como realizó el maestro del collage Gerardo Rueda.
Al igual que un psicólogo presenta a sus pacientes el Test de Frases Incompletas (FIS) de Joseph M. Sacks, Leguey nos enseña unas imágenes, y el espectador tiene que buscar sus propias asociaciones. Son relaciones de nuestra psique, no siempre fáciles de explicar, pero que si las llegásemos a comprender mejor, tal vez encontraríamos muchas de nuestras claves.

Javier Martín
Director de la colección Ars Citerior

 

Watertight compartments

 

Sin salida. Collage, papel cortado. Leguey

Sin salida. 2012
57×44 cm. – Mixed media on paper cut.

For some time now, Leguey has got us used to story fragmentation inside his collages, which are full of images that not always find each other in a conscious way. The characters, insects and architectural objects, which come from encyclopaedias and old newspapers, are cut out and assembled creating a new interpretation since he finds a previously non-existent dialogue for them. The final result is an image full of plasticity that makes observers ask themselves about the reasons behind.

In Leguey’s works there are images that speak to us about memories, like in “La Tardor”, with circus characters carrying a set of sphere-shaped figures. These images can also be found in the “Sin Salida” collage, where we perceive characters floating and falling into the void behind a lattice, a frequent image in children nightmares. We can also discern in this work, if we look with an adult’s glance, the feeling of spiritual vacuum in the upper part and the feeling of earthliness in the lower part, with that labyrinth that leads nowhere.

The inevitable loses caused by the passing of time make the fears that we carry in our subconscious surface, something that we can see reflected in the work “Retrato de familia”. The relationship between man and the industrial environment is also present in many of the works made for this exhibition: in “Juego (El sueño)” the dancing and neat images of two human figures, with a classical canon of proportion, show us the liberation from a grey mass society.

The labyrinthine constructions, with completely smooth walls arranged in an orthogonal layout, speak to us about search and isolation, but never about loss and disorientation. The character inside perfectly knows where they are and what they are doing: think about which path to choose. His collages, assembled like watertight compartments, remind me of the work of poet Isidore Ducasse, Comte de Lautréamont, for whom living meant the progressive destruction of innocence, which leads to the grief of existence and unleashes a fight between man and the world that surrounds and suffocates him. There is an incessant fight for both of them against that which is false and artificial, with a reality in their stories, pictorial in one case and literary in the other, that sometimes humiliates man. Insects, batrachians and reptiles are very present in Leguey’s plastic work and in Ducasse’s poems. They are inferior and able-to-mutate species that can parasitize us when they leave their watertight compartments and invade the space inhabited by human beings.

In spite of the suffering, beauty is always present in Leguey’s works. Like Ducasse said in Les chantes de Maldoror (The songs of Maldoror): “Beautiful as the fortuitous encounter of a sewing machine and an umbrella on the dissecting table”.

Javier Martín
Director of the collection Ars Citerior
 
 
 

el juego-el sueño técnica mixta -collage-legueyEl juego-El sueño

49,5 x 27 cm. – Técnica mixta y collage s/papel – 2012

Compartimentos estancos.

Desde hace ya tiempo, Leguey nos tiene habituados a una fragmentación del relato dentro de sus collages, llenos de imágenes encontradas de manera no siempre consciente. Los personajes, insectos y objetos arquitectónicos, procedentes de enciclopedias y de viejos periódicos, son recortados y ensamblados conformando una nueva interpretación, al encontrarles un diálogo no existente hasta ese momento. El resultado final es una imagen llena de plasticidad, que hace que el espectador llegue a plantearse vitales porqués.
En las obras de Leguey hay imágenes que nos hablan de recuerdos, como en La Tardor, con personajes circenses portando un juego de formas esféricas. También el collage Sin salida, donde detrás de una celosía percibimos a personajes flotando y cayendo en el vacío, imagen frecuente de los terrores infantiles de una pesadilla nocturna. Pero además en esta pieza distinguimos, ya con mirada de adulto, en su parte superior la sensación de vacío espiritual y en la inferior terrenal, con ese laberinto que no lleva a ninguna parte.
Las inevitables perdidas producidas por el paso del tiempo, nos hacen aflorar miedos que llevamos en nuestro inconsciente, como vemos reflejado en la obra Retrato de familia. También está presente en varios de los trabajos realizados para esta exposición la relación del hombre y su entorno industrial: en el Juego (El sueño) las imágenes pulcras y danzantes de dos figuras humanas, de clásicos cánones, nos muestran la liberación ante una sociedad gris y de masas.

Las construcciones laberínticas, de muros totalmente lisos con una disposición ortogonal, nos hablan de búsqueda y de aislamiento, pero nunca de pérdida y desorientación. El personaje implantado dentro sabe perfectamente donde se encuentra y lo que está haciendo: reflexionar sobre qué camino elegir.

Sus collages, montados a modo de compartimentos estancos, me evocan la obra del poeta Isidoro Ducasse, conde de Lautréamont, para quien vivir significaba la progresiva destrucción de la inocencia, lo que conlleva al dolor de la existencia y desencadena una lucha del hombre con el mundo que le rodea y ahoga. Para los dos existe una lucha constante contra lo que es falso y artificial, con una realidad en sus relatos, pictóricos en uno y literarios en el otro, que en ocasiones humilla al hombre. Los insectos, batracios y reptiles están muy presentes en la obra plástica de Leguey y en los poemas de Ducasse. Son especies inferiores y con poder de mutación, que pueden llegar a parasitarnos cuando dejan sus compartimentos estancos e invaden la parcela que habita el ser humano.

A pesar del sufrimiento, la belleza está siempre presente en las obras de Leguey. Como decía el poeta de Los Cantos de Maldoror: “Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección”.

Javier Martín
Director de la colección Ars Citerior

 

Agosto, 2012.